El 14, 15 y 16 de mayo se realizarán en Fundación Proa las Jornadas de la Crítica 2026, planteando la pregunta: “¿Para qué sirve la crítica de arte? Nuevas perspectivas en la teoría y la práctica”. Las Jornadas constituyen un encuentro que durante tres días reunirá a todos aquellos que se interesan o escriben sobre arte en géneros y formatos diversos, especialmente a quienes desarrollan la crítica de arte aplicada a las artes plásticas, el teatro, el cine, la música, las interdisdisciplinas, pero no exclusivamente: quienes investigan académicamente sobre arte, quienes comunican, quienes informan, o quienes analizan la variedad de todos estos discursos, también estarán presentes.
Organizadas por AACA (Asociación Argentina de Críticos de Arte)-, las jornadas contarán con diferentes mesas de ponencias y mesas de discusión, indagando acerca de distintos temas, como por ejemplo, cuál es la situación contemporánea de la crítica de arte; cuáles son sus formas de articulación, sus discursos, formatos e hibridaciones; o qué relación establece la crítica con los discursos urgentes (géneros, feminismos, disidencias, afectos), y las utopías, distopías, heterotopías, ucronías (el programa completo puede consultarse aquí).
En este marco, el evento abrirá con dos discursos magistrales, brindados por Ana María Battistozzi (crítica de arte de Revista Ñ y Clarín de extensa carrera y oficio, y profesora universitaria en distintas casas de estudio), y Marita Soto (semióloga y Doctora en Ciencias Sociales, y actora fundamental del Área Transdepartamental de Crítica de Artes en la Universidad Nacional de las Artes, UNA).
Como preámbulo preparatorio hacia las Jornadas, conversamos con Marita Soto sobre arte, crítica, discurso, vínculos entre la curaduría y la crítica de arte, saberes y universidad.
–Marita, desde tu perspectiva ¿qué es la crítica de arte?
–La crítica de arte es una producción que acompaña los hechos artísticos de diferentes modos. La apreciación artística parece haber estado siempre vinculada a una palabra sobre ella. Las artes motivan la creación -más poética, más ensayística, más investigativa-, la conversación sobre ellas, el testimonio de diferentes aproximaciones y emocionalidades. La actividad crítica permite observar, estudiar, comprender, comentar, describir, intercambiar… Los hechos artísticos -es decir, las obras, los eventos, las experiencias estéticas-, sugieren otros textos, otras creaciones: promueven la búsqueda de saberes conectados. La actividad crítica abre posibilidades de lecturas, de conexiones, permite comparar, contribuye a ubicar las experiencias en su tiempo... Puede, también, convertirse en una entrada al campo de las artes.
–¿Cómo propondrías comprender a la crítica de arte?
–Enfatizando en el carácter de producción acompañante que colabora con la aproximación, el conocimiento y/o el disfrute.
–Sos Vicepresidenta de la Asociación Argentina de Semiótica y Secretaria General Adjunta de la Asociación Internacional de Estudios Semióticos. ¿Por qué es útil comprender los fenómenos artísticos y el campo del arte, el campo cultural, desde la semiología?
–En tanto que la semiótica permite desmontar procesos de significación de cualquier tipo, la disciplina (la semiología), puede intervenir en distintos momentos de la creación y la circulación, respondiendo a diferentes demandas: puede colaborar en una etapa de diagnóstico de una situación dada; puede descubrir rasgos específicos de un fenómeno determinado; puede monitorear un proceso productivo; permite evaluar una producción o producto determinadas/os; puede generar el aprendizaje a partir del ciclo completo. Por otro lado la semiología, además, provee de instrumentos que permiten comprender las dinámicas culturales dentro de las cuales observamos los fenómenos artísticos. Mientras, la semiótica focaliza su mirada en los procesos de producción: en este sentido, entonces, observa operaciones, configuraciones, relaciones. Construye una mirada en la que las obras o los productos artísticos se visualizan como un escenario operante.
–¿Qué es un discurso? ¿Cómo aparece y se articula en el campo del arte y el campo cultural?
–Llamamos discurso a la materialidad con la que trabajamos. Pero se trata de una materialidad acotada: es un corpus determinado de productos -de obras, situaciones, objetos-, que se recorta a partir de una pregunta que se desea responder. La semiótica trabaja con productos, con fenómenos emplazados, y atiende a su materialidad. Aplicada al campo de las artes, atiende a las mismas características. Desde esta mirada inicial, la semiótica expande la descripción y el análisis a otros rasgos singulares del fenómeno; pero el primer paso es dar cuenta de dicho emplazamiento.
–¿Cómo es tu relación con el Área de Crítica de Artes de la Universidad Nacional de las Artes (UNA)?
–Fui Decana del Área Transdepartamental de Crítica de Artes en los períodos 2011-2016 y 2016-2021. También entonces, durante mi gestión, se crearon la Licenciatura en Curaduría en Artes; la Carrera de Especialización a distancia de Producción de Textos Críticos; la Maestría en Historia del Arte Moderno y Contemporáneo; y el Instituto de investigación y Experimentación en Arte y Crítica (IIEAC).
–Junto con otras personas -Oscar Traversa, Oscar Steimberg-, sos fundamental en cuanto a la fundación del Área...
–Hay nombres fundamentales en la creación del área: Oscar Traversa como fundador y primer decano. Él inspiró el área, le dio un carácter y una identidad, secundado por Oscar Steimberg. Ellos venían de trabajar juntos, de compartir espacios culturales, proyectos diversos, metas. Encontraron que había un lugar vacío en el campo de la formación superior porque, si bien el Instituto Universitario Nacional de Artes (IUNA), había reunido las tradiciones de la formación artística -provenientes de escuelas y conservatorios de larga trayectoria en el país-, faltaba un sector que se ocupara de la producción crítica.
–¿Podrías comentar cómo fue la génesis de estos momentos, cuáles eran las discusiones?
–En una reunión con amigos colegas -Gustavo Aprea, José Luis Petris, Rolando Martínez Mendoza y el propio Oscar Steimberg-, recordábamos que la actividad crítica en el área estuvo directamente vinculada con la investigación, dejando de lado la producción crítica exclusivamente valorativa. Creo que cuando eligieron el primer nombre, Producción de textos críticos y de difusión mediática de las artes…, en ese extraño y extenso nombre había un sentido político, que se pierde cuando se eligen nombres más sintéticos, más remanidos… “Textos críticos” y no “crítica”: la separación de “texto crítico” de “texto de difusión”; la construcción de saberes y destrezas de un oficio; la aceptación de la mediatización como parte de la crítica. Las discusiones que se mantenían iban por aquí.
–Más tarde se creó la carrera de Curaduría. ¿Cómo nació la idea? ¿Entre qué actores? ¿Qué necesidades o situaciones detectaron?
–La curaduría es, entre otras posibilidades, una actividad crítica; propone una nueva lectura sobre el material con el que trabaja, además, emplaza esa lectura del material, no el material. Dada la importancia que este otro rol adquiría, la propuesta de crear una carrera de curaduría que completara la oferta fue bien recibida en el área, y luego por toda la institución. Y la respuesta fue muy buena.
–¿Qué recordás de los momentos primeros de creación de las carreras, primero de Crítica y luego de Curaduría?
–La palabra de Traversa cuando nos decía que nosotros íbamos a pasar, pero que la institución creada duraría años, tal vez siglos… Que estábamos haciendo cosas para dentro de 200 años. Una gran enseñanza -con humor y entusiasmo-, en relación con lo público y la responsabilidad de administración de lo público.
