Art-Proust

Composiciones geométricas de precisión arquitectónica, formas que oscilaban entre lo microscópico y lo cósmico, y habitan mundos sensibles e improbables.

A través de cuerpos cercanos, a veces deformados, y de objetos cargados de memoria, construye un archivo emocional donde lo cotidiano se vuelve inestable y persistente.

Pinturas e ilustraciones que habitan un pop de paisajes lisérgicos y alienígenas, donde extrañas criaturas conviven en un microcosmos de colores vibrantes.

Sus dibujos en carbonilla plasman una atmósfera sombría, con un imaginario alucinado de narrativas densas, a medio camino entre lo fantástico, lo familiar y lo siniestro. 

Reapropiación de elementos encontrados y objetos industriales recontextualizados que, en conjunto, plantean una investigación sobre los mecanismos que mantienen en funcionamiento el orden social.

El dibujo, la pintura y el cine, atravesados por experiencias mágicas y espirituales, construyen una mitología personal protagonizada por voces femeninas del surrealismo latinoamericano. 

Con un imaginario que incorpora los cielos de la pampa bonaerense, la enciclopedia estudiantil, y a seres fantásticos del pop, su obra impacta por una textura muy personal y por altas dosis de humor irónico.

Pinturas, performances e instalaciones canalizan un universo heredado de cuatro generaciones familiares en torno a las flores, donde la belleza y las historias se unen en un bouquet de simbolismos.

Objetos y materiales recolectados que en su dimensión simbólica se convierten en el punto de partida de obras que exploran la relación entre lugar, memoria y transformación.

Pinturas que narran cuentos visuales poblados de personajes, símbolos y paisajes. Desde lo autobiográfico, rescata el costumbrismo y la memoria en escenas de amor, pérdida y cotidianeidad que invitan a mirar lo esencial.

Artista visual y sonoro, que con un método de investigación intuitivo, científico y simbólico, aborda los temas desde una perspectiva multidisciplinaria.

Paisajes estridentes, de un delta lisérgico, en los que convergen naturaleza, memoria y abstracción con un lenguaje visual propio y poético.

Su práctica explora la espacialidad y la interacción, trabajando en paisajes, instalaciones, objetos, acciones, y textos. El arte y el territorio se encuentran para imaginar nuevas formas de habitar y percibir.

Su obra se enmarca en la intersección entre arte, tecnología y materialidades residuales. Esculturas, instalaciones y medios digitales, con los que explora los límites entre lo humano y lo tecnológico.

Paisajes que parten de la idea de deconstruir el dibujo, y que se traduce en instalaciones site-specific sobre muros, papel y acciones performativas que combinan grafito, animación digital, vídeo, fotografía y collage.

Es uno de los más destacados artistas del stencil nacional, que como parte del colectivo artístico rundontwalk, ha intervenido el mapa urbano en los últimos veinte años.

Un choque explícito de cultura pop y perspectiva queer. Pinturas de gran tamaño que presentan historias en las que se destacan momentos de ocio, la fuerza de la naturaleza, la arquitectura, la moda y el imaginario erótico lésbico.

La conjunción de saberes en materias y técnicas hicieron que su obra abarque un marco creativo diverso con instalaciones de gran formato en espacios públicos y circuitos institucionales del arte.

Entre la abstracción y la figuración, su trabajo explora la relación entre el gesto, el trazo y el espacio, desdibujando límites para crear nuevas dinámicas entre la pintura y el entorno. 

Instalaciones site specific de sillas, ventanas y puertas azules, conviven con un cuerpo de obra en la que el trazo en birome es el principal protagonista.

Pinturas espectrales de universos ficticios en los que la realidad y la fantasía dan forma a paisajes, lugares y objetos que habitan ese espacio entre lo confuso y la penumbra.

Con referencias a la cultura pop, las animaciones, el graffiti y las historietas, su cuerpo de obra explora el dibujo y la pintura a través del aerógrafo. Diálogos poéticos y políticos desde una perspectiva queer y feminista. 

Su producción, que atraviesa la estética kitsch y se para entre lo queer y lo trash, abarca la pintura, el dibujo, la escritura, el collage, la fotografía, el gif, el tattoo y la instalación.

Sus obras no son funcionales al consumo inmediato del diseño, son polémicas y buscan un constante gesto poético-político. La sorpresa, la exageración y la mentira, son parte estructural de sus creaciones.

Elementos del entorno como tablas de madera, hojas de libros y diarios, telas y otros tipos de desecho, dan forma a su obra. El material y el gesto se entrelazan para construir personajes y paisajes.

Historias, escenarios y personajes que desde el dibujo, la escultura y la instalación exploran la interacción entre el cuerpo y la tecnología a través de un imaginario de ciencia ficción.

Artista digital y 3D, dibujante, escultor y pintor. Integrante del colectivo Oligatega numeric desde 1999, su obra se destaca por la producción de videos, instalaciones, objetos y performances.

Mediante un uso audaz del color, principalmente a través del collage, su obra recorre epifanías de la vida cotidiana y aborda la noción del paso del tiempo.

Autorretratos distorsionados y caras deformadas que coquetean con lo siniestro. Un contundente catálogo de pinturas de pequeño formato que además de rostros, reproduce también obras de la historia del arte.

Escenas que emergen de las profundidades de la noche, cosmovisiones en las que seres antropomórficos, bestias, dioses y demonios conviven en un equilibrio ancestral con la tierra.

Artista visual, educadora y curadora independiente, explora los cruces entre identidades geográficas, memorias colectivas y sistemas de colaboración y participación a través de tecnologías.

El dibujo como elemento central se traduce en superficies opacas y oscuras con el grafito y el crayón como principal textura. Completan un zoológico de pequeños seres fantásticos y orgánicos de cerámica. 

Imágenes en constante proceso de transformación y metamorfosis, desviando siempre la atención hacia lo no visible, imbuidas en la transparencia del poliéster y del papel vegetal.

Su obra juega con la colorimetría, donde el hilo conductor son las texturas, la reproducción de patrones y el fuera de foco como vehículo para comunicar escenas abstractas que parecen esmeriladas.

Referente del street art y la cultura del skateboarding nacional, realizó su obra sobre diferentes soportes, siempre con el aerosol y el stencil como principales herramientas creativas.

Sus obras son un viaje constante por lo onírico, donde lo mágico alcanza los límites del surrealismo, y la ambigüedad entre la vida y la muerte toma protagonismo.

Del paisaje urbano al lienzo y viceversa. Se destaca su paleta policromática que se asemeja al lenguaje digital, donde la geometría es el hilo conductor en sus obras de pequeño o gran formato.

Sus pinturas de pequeño-mediano formato son instantáneas que detienen el tiempo en el clímax de diversas tragedias. Escenas minuciosas, pintadas con gran destreza, en las que conviven imágenes íntimas con paisajes urbanos atemorizantes y catastróficos.

Diseño textil, mural, cerámica, escultura y performance son los principales lenguajes de una obra que evoca el universo ictícola y espiritual del río Paraná. Las tradiciones surrealistas litoraleñas y los mitos populares, se traducen en forma de barro, agua y textiles.

Su obra utiliza animales como metáforas de la condición humana. Óleos a gran escala en los que habitan cisnes, osos, perros y conejos, que dan lugar a atmósferas inquietantes.

Su obra circula entre la dimensión de lo inmaterial y lo material, donde lo sensible y lo simbólico se encuentran con los objetos y el espacio. Un choque que permite la creación de otras significancias y la construcción de nuevas ideas.

Vinculado al Delta desde hace más de veinte años, la cosmovisión de sus obras exponen el universo isleño con un trazo protagonista y presenta a la naturaleza con crudeza.

El tratamiento del color y las geometrías son las protagonistas en la obra de Ansaldi, donde el rosa, y todo su espectro, toma las riendas del espacio pictórico para representar paisajes urbanos de la vida cotidiana.

Con un profundo sentido de pertenencia a su tierra natal la obra de Anísima representa historia, cosmovisión, cultura, festividades, religión, música, tradiciones, flora y fauna.

Con unos trazos que parecen flujos de energía, la exploración pictórica de Cantisani presenta un escenario abstracto en el que los colores vibran y recorren el lienzo como cascadas de un mundo orgánico y surreal.

Dentro del expresionismo abstracto y la figuración, la obra de Ércoli suele partir sin boceto previo, mientras que sus pinceladas fluyen de acuerdo al brotar de los sentimientos. 

Emprendedor, realizador y director de arte, es uno de los artistas de papercraft, también conocido como el intrincado arte de crear estructuras en 3D hechas con papel o cartón, más reconocido del país.

Sus obras, que por lo general tienen una relación directa con la comida, critican la superficialidad, el glamour, la moda y los productos de lujo que representan los valores centrales del mercado y la cultura del consumo.

La vida es la obra y viceversa; los viajes como gran inspiración y un continuo diálogo entre lo digital y lo análogo a través del lenguaje fotográfico, que se vuelve dibujo a fuerza de birome azul.

Pequeñas maquetas, mosaicos, dibujos, diferentes materialidades, prácticas y formatos. Sus minuciosos site specific en miniatura reproducen espacios que pertenecen al patrimonio nacional.

Uno de los mayores referentes de la ilustración en Latinoamérica, su obra que se ha vuelto reconocible a primera vista. Una bomba pop con referencias a la cultura trash, el cómic, la ciencia ficción retro, la lucha libre y la música surf.

Entre la performance y la pintura, su búsqueda indaga los márgenes, con los pies en el under y la cultura queer, sus protagonistas ponen el cuerpo y se adentran a un mundo de excesos habitado por disidentes salvajes y despiadados.

Un mundo de seres inquietantes que irradian oscuridad y extrañeza, pero con sensualidad esotérica, componen la cosmovisión de su obra pictórica. Mujeres (¿?) chorreantes salidas de una pesadilla lyncheana.

La muerte, el tiempo, la locura, lo sexual, el silencio y la desaparición son temas usuales en el devenir de sus obras. Ave Miseria de 2015 es la performance que representa una clara síntesis de su forma de pensar y su búsqueda creativa los últimos años.

Con una cosmovisión visual con referencias que van de las deidades hindúes, las visiones psiconautas y la psicodelia dalileana, su obra es una explosión de colores y mensajes. 

Los diseños textiles, las cerámicas de los pueblos originarios y los patrones abstractos del arte andino ancestral, se entrecruzan en diversos formatos de obra con una fuerte impronta simbólica.

Fue parte de la primera generación de graffiteros del país y actualmente experimenta con libertad sobre varios formatos de producción. Paredes, lienzo, tela, madera, chapa y azulejos son los soportes donde plasma sus coloridas obras de trazo fino y delicado.

Pinturas, fotografías, videoinstalaciones, son los terrenos por donde discurre la obra multifacética de esta artista conceptual. Lo natural, lo onírico y lo digital figuran como disparadores de sus propuestas.

Artista visual, arquitecto y curador, su obra opera en el espacio público y privado mediando entre la escala urbana y la intimidad del cuerpo. En su reciente retrospectiva en el MNDA, expuso más de diez años de su producción. 

Es el padre y creador de miles de rostros de niños pintados en trazos azules. Su obra, personalísima, lo tiene como protagonista de la última década en un abanico de soportes que van del mural y la ilustración digital a la pintura y las artes visuales.

Artista multilenguaje, enfocada en la relación del cuerpo con la escultura, el espacio y los materiales. Bajo la idea de impermanencia, sus obras mutan en cada montaje. En paralelo gestiona la galería Casa Brandon.

Influenciado por la cerámica y el graffiti durante los noventa, su obra actual representa las contradicciones de las sociedades latinoamericanas y la tensión entre la cultura dominante y las sub-culturas. 

Tinta negra, bordados, instalaciones, fotografías, video. Mas allá del soporte que utilice, las obras de Pizani parecieran estar eclipsadas por cierta idea de oscuridad imperante. Algo que se podría denominar como auténtico "dark side art".

¿Arquitectura o arte? Arquitectura y arte. Por ahí pasa el recorrido y obra de Unrrein, que con una gran versatilidad propone instalaciones, esculturas, intervenciones, performances, dibujos y objetos.

Uno de sus monstruos, compuesto de cogollos y flores de marihuana forma parte de la colección Malba desde 2012. Brizuela es el máximo referente del cruce entre artes visuales y cultura cannábica, además de ser el principal responsable detrás de MUNPA (Museo Nacional de Plantas Alucinógenas).

Naturalismo, abstracción, minimalismo, luz y color irradian las obras de Blasco, que atraen y absorben al espectador desde la intensidad de una gran pupila.

Desde el 2000 se mueve entre una diversidad de soportes y formatos que van del dibujo y la pintura al collage o la instalación, siempre con la estridencia como horizonte.

El cuerpo y sus vísceras, con reminiscencias a jardines exóticos o paraísos de otros mundos. Una obra que remite al erotismo desde sus formas orgánicas que se contorsionan y derraman.

Forma parte de una nueva camada de artistas visuales de la escena nacional. Directora de la galería Grasa, su obra arremete con imágenes crudas y provocadoras, como al rojo vivo.

Sus obras giran en torno al imaginario de las ferias medievales. El “Neomedievalismo", simboliza una intersección contemporánea entre el pasado y el presente, un espacio para el juego y la imaginación. 

Explora distintos formatos, desde la pintura y la escultura, hasta la instalación o la cianotipia. En todos trabaja sobre una arqueología de lo urbano y una cosmovisión arquitectónica como fuente de inspiración.

Fotógrafa, performer, curadora y crítica de arte. Sus obras están en las colecciones de museos como MALBA, el Moderno y Castagnino (Rosario), entre otras colecciones privadas y públicas.

Pablo (aka Gualicho) es un artista que trabaja sobre múltiples soportes. Conocido internacionalmente por sus murales urbanos a gran escala, hace varios años se ha volcado al arte geométrico.

Sus composiciones se materializan en instalaciones lumínicas, esculturas, serigrafías, pintura y arte digital, con una orientación hacia la abstracción y la geometría.

Interiores lúgubres, metafísica doméstica, velos que se descorren y jardines que aparecen. Su trabajo hace eje en la simbiosis entre el imaginar y el habitar. Seleccionada en Premio Andreani (2020).