Art-Proust

Diez preguntas del tradicional cuestionario Proust dirigidas a nuevos artistas provenientes de diferentes escenas del arte contemporáneo argentino. 

Sus esculturas en bronce pulido son un muestrario de monstruos y demonios que irradian ferocidad y evocan a esos seres que nacen en la imaginación de la infancia.
Autorretratos distorsionados, rostros deformados, imágenes que coquetean con lo siniestro y un catálogo de pinturas de pequeño formato que reproduce obras, principalmente esculturas, de otrxs artistas de la historia del arte.
Con una fuerte carga simbólica la obra de Espina se despliega entre dibujos, pinturas, pos-fotografías, instalaciones, foto o video-performances, y donde la pólvora, el hollín, el humo y la carbonilla suelen ser las protagonistas.
Escenas que emergen de las profundidades de la noche, cosmovisiones en las que seres antropomórficos, bestias, dioses y demonios conviven en un equilibrio ancestral con la tierra.
Con un lenguaje visual propio en el que se destacan la fotografía, el bordado y la inteligencia artificial, la obra de Urquijo se presenta en torno a conceptos como el fenómeno de la vida y el paso del tiempo.
Artista visual, educadora y curadora independiente, explora los cruces entre identidades geográficas, memorias colectivas y sistemas de colaboración y participación a través de tecnologías.
Toda su producción es en torno a la pintura, el dibujo, el tejido, la escultura y la performance. Una narrativa en la que conviven paisajes, cabellos humanos y formas viscerales.
El dibujo como elemento central se traduce en superficies opacas y oscuras con el grafito y el crayón como principal textura. Completan un zoológico de pequeños seres fantásticos y orgánicos de cerámica. 
Un vasto universo de formas, matices, colores y personajes, se despliegan en una versatilidad de materiales que van del lienzo a la serigrafía, de los vitrales al tejido, hasta los objetos y la escultura.
Imágenes en constante proceso de transformación y metamorfosis, desviando siempre la atención hacia lo no visible, imbuidas en la transparencia del poliéster y del papel vegetal.
Con una estética punky, sus bordados recorren paisajes que pivotean entre la violencia, el humor, cierta poética naíf y escenas trash de gran impacto.
Su obra juega con la colorimetría, donde el hilo conductor son las texturas, la reproducción de patrones y el fuera de foco como vehículo para comunicar escenas abstractas que parecen esmeriladas.
Una obra en equilibrio entre la abstracción y el color, donde las formas nacen de manera espontánea y parecen encastrar naturalmente, partiendo de una paleta que aparece intuitiva y hace desplegar la imaginación.
Referente del street art y la cultura del skateboarding nacional, realizó su obra sobre diferentes soportes, siempre con el aerosol y el stencil como principales herramientas creativas.
Figuras imponentes y mitológicas, geometrías sagradas y abstractas, guardianes y entidades protectoras, son parte de la cosmovisión que protagoniza la obra reciente de Cienfuegos.
Sus obras son un viaje constante por lo onírico, donde lo mágico alcanza los límites del surrealismo, y la ambigüedad entre la vida y la muerte toma protagonismo.
El agua como punto de partida y núcleo disparador que atraviesa toda su obra. Este concepto de lo líquido fluye por diferentes soportes y materialidades con un resultado que impacta con la potencia de un tsunami.
Del paisaje urbano al lienzo y viceversa. Se destaca su paleta policromática que se asemeja al lenguaje digital, donde la geometría es el hilo conductor en sus obras de pequeño o gran formato.
Lo astronómico, lo gravitacional y la observación del espacio exterior atraviesan su obra. Una articulación de arte y ciencia, en la que toma los datos de la realidad, los analiza y los manipula para crear su propio lenguaje.
Sus pinturas de pequeño-mediano formato son instantáneas que detienen el tiempo en el clímax de diversas tragedias. Escenas minuciosas, pintadas con gran destreza, en las que conviven imágenes íntimas con paisajes urbanos atemorizantes y catastróficos.
Una narrativa gráfica al servicio de una obra que explora las cualidades estéticas, funcionales y simbólicas de ciertos objetos. Fichas de dominó, mapas, cadenas, bisagras, sacapuntas, arcos de violín, dan forma a un universo creativo inconmensurable.
Diseño textil, mural, cerámica, escultura y performance son los principales lenguajes de una obra que evoca el universo ictícola y espiritual del río Paraná. Las tradiciones surrealistas litoraleñas y los mitos populares, se traducen en forma de barro, agua y textiles.
El entorno natal santafecino impreso en diversos soportes, desde dibujos utilizando carbónicos azules y rojos sobre papel, hasta calcos de esculturas ornamentales con leones escupiendo cerveza.
Su obra utiliza animales como metáforas de la condición humana. Óleos a gran escala en los que habitan cisnes, osos, perros y conejos, que dan lugar a atmósferas inquietantes.
En el universo Ascúa hay una gran diversidad de dibujos; de lápiz, grafito, tiza, óleos pastel y acuarelas sobre papel, de tapices en lana y tejidos de colores vibrantes. Sus amigurumis, figuras minimalistas, alcanzan el aura de guardianes.
Su obra circula entre la dimensión de lo inmaterial y lo material, donde lo sensible y lo simbólico se encuentran con los objetos y el espacio. Un choque que permite la creación de otras significancias y la construcción de nuevas ideas.
Artista multifacético cuya obra circula entre pinturas, collages y serigrafías, pasando por objetos intervenidos, videos, murales, instalaciones y esculturas. Su actual producción da cuenta de una mirada crítica sobre la vida urbana contemporánea.
Vinculado al Delta desde hace más de veinte años, la cosmovisión de sus obras exponen el universo isleño con un trazo protagonista y presenta a la naturaleza con crudeza.
Entre la fotografía y el dibujo, entre lo imaginario y lo documental, así transcurre la meticulosa obra de Rojas, abarcando diferentes soportes y áreas de las artes visuales, donde la principal temática es la problemática ambiental que nos rodea.
El tratamiento del color y las geometrías son las protagonistas en la obra de Ansaldi, donde el rosa, y todo su espectro, toma las riendas del espacio pictórico para representar paisajes urbanos de la vida cotidiana.
En su práctica artística utiliza medios gráficos, informáticos y textiles, donde el uso de herramientas eléctricas y la electricidad permiten un crossover entre la xilografía tradicional y el lenguaje digital.
Con un profundo sentido de pertenencia a su tierra natal la obra de Anísima representa historia, cosmovisión, cultura, festividades, religión, música, tradiciones, flora y fauna.
La imaginería visual de Perrotta es excepcional, habitada por una fauna de seres monstruosos en la que conviven serpientes, diablos y animales salidos de un inframundo que estalla en colores estridentes.
Con unos trazos que parecen flujos de energía, la exploración pictórica de Cantisani presenta un escenario abstracto en el que los colores vibran y recorren el lienzo como cascadas de un mundo orgánico y surreal.
Su primera exhibición “Lo efímero de las cosas” de 2022, es el catártico resultado creativo tras un incendio que destruyó su taller, y derivó en un libro de relatos junto a más de setenta esculturas, pinturas, grabados e instalaciones.
Dentro del expresionismo abstracto y la figuración, la obra de Ércoli suele partir sin boceto previo, mientras que sus pinceladas fluyen de acuerdo al brotar de los sentimientos. 
Dibujos y pinturas que sobrevuelan paisajes de culturas antiguas y ancestrales, donde espadas, panteras, bosques fantasmagóricos y seres fantásticos parecen cobrar vida y dar forma a una cosmovisión mítica. 
Emprendedor, realizador y director de arte, es uno de los artistas de papercraft, también conocido como el intrincado arte de crear estructuras en 3D hechas con papel o cartón, más reconocido del país.
En su pintura, el agua, la mancha y las formas abiertas pertenecen a una visión cósmica, infinita y sin límite. Lugares oscuros y desconocidos donde sumergirse para explorar.
Sus obras, que por lo general tienen una relación directa con la comida, critican la superficialidad, el glamour, la moda y los productos de lujo que representan los valores centrales del mercado y la cultura del consumo.
Síntesis perfecta de cuando se funden concepto y trabajo artístico en una creación política. Pedazos de mapas, billetes y banderas subvierten sus significados en mensajes cifrados con texturas milimétricas y una poética que desafía los límites.
La vida es la obra y viceversa; los viajes como gran inspiración y un continuo diálogo entre lo digital y lo análogo a través del lenguaje fotográfico, que se vuelve dibujo a fuerza de birome azul.
Escenarios del mundo vegetal, relaciones entre especies, mutaciones, devenires simbióticos, microcosmos fantásticos, confluyen en los delicados dibujos y joyas en miniatura que propone el trabajo de Lo Bue.
Pequeñas maquetas, mosaicos, dibujos, diferentes materialidades, prácticas y formatos. Sus minuciosos site specific en miniatura reproducen espacios que pertenecen al patrimonio nacional.
Su producción artística, que parte de la fotografía y hace escala en las instalaciones, indaga en la historia del arte, el patrimonio y la herencia cultural. Una perspectiva que cuestiona la narración oficial, donde las mujeres han sido habitualmente relegadas.
Uno de los mayores referentes de la ilustración en Latinoamérica, su obra que se ha vuelto reconocible a primera vista. Una bomba pop con referencias a la cultura trash, el cómic, la ciencia ficción retro, la lucha libre y la música surf.
Premiada por la galería Ruth Benzacar en la última edición de Currículum Cero 2022, sus esculturas performáticas se derriten durante horas hasta revelar un interior cuyos elementos descubren constelaciones, aromas y composiciones inconscientes.
Entre la performance y la pintura, su búsqueda indaga los márgenes, con los pies en el under y la cultura queer, sus protagonistas ponen el cuerpo y se adentran a un mundo de excesos habitado por disidentes salvajes y despiadados.
Tapices hechos con cuentas facetadas que remiten a la estética glitch, píxeles de plástico y vidrio que explotan de color y generan unos tramados donde conviven el universo artesanal con el virtual.
Un mundo de seres inquietantes que irradian oscuridad y extrañeza, pero con sensualidad esotérica, componen la cosmovisión de su obra pictórica. Mujeres (¿?) chorreantes salidas de una pesadilla lyncheana.
Cercana al arte oriental, se presenta cargada de energía mental, sugiriendo mundos autosuficientes y delicados, en los que el público es invitado a sumergirse.
La muerte, el tiempo, la locura, lo sexual, el silencio y la desaparición son temas usuales en el devenir de sus obras. Ave Miseria de 2015 es la performance que representa una clara síntesis de su forma de pensar y su búsqueda creativa los últimos años.
Su obra atraviesa con personalidad diversas disciplinas, soportes, técnicas y lenguajes, desde el mapping 3D y las técnicas kinect, VR, esculturas y objetos de impresiones 3D, dibujos, pinturas y NFTs; hasta instalaciones donde la robótica y la programación son el alma de la propuesta. 
Con una cosmovisión visual con referencias que van de las deidades hindúes, las visiones psiconautas y la psicodelia dalileana, su obra es una explosión de colores y mensajes. 
Una obra en constante desborde que impacta por su universo sado punk; entre estética camp, cultura cómic y un surrealismo XXX que shockea con crudeza. También comanda los sonidos tekno noise como Jennifer Drone.
Los diseños textiles, las cerámicas de los pueblos originarios y los patrones abstractos del arte andino ancestral, se entrecruzan en diversos formatos de obra con una fuerte impronta simbólica.
A través de la pintura, el objeto y la instalación su obra explora sensibilidades extraviadas y espacios incómodos. Lo onírico, lo paranoide y lo psicodélico atraviesan su producción, permitiéndole investigar narrativas múltiples.
Fue parte de la primera generación de graffiteros del país y actualmente experimenta con libertad sobre varios formatos de producción. Paredes, lienzo, tela, madera, chapa y azulejos son los soportes donde plasma sus coloridas obras de trazo fino y delicado.
Sus inicios en la pintura surgieron sobre cartones encontrados de gran formato, utilizando óleos mezclados con látex, polvos y aplicando elementos extra, que lo acercan al collage. Colores saturados y expresivos, personajes grotescos y cargados de humor, son los protagonistas de su obra.
Pinturas, fotografías, videoinstalaciones, son los terrenos por donde discurre la obra multifacética de esta artista conceptual. Lo natural, lo onírico y lo digital figuran como disparadores de sus propuestas.
Una de las diseñadoras de moda más influyentes de los últimos treinta años es hoy una de las artistas que está dando que hablar con sus almohadas-esculturas abstractas.
Artista visual, arquitecto y curador, su obra opera en el espacio público y privado mediando entre la escala urbana y la intimidad del cuerpo. En su reciente retrospectiva en el MNDA, expuso más de diez años de su producción. 
De carácter abstracto y neo-expresionista, su "Action Painting" evoca a pintores como Pollock o de Kooning, adoptando nuevas técnicas pictóricas contemporáneas.
Es el padre y creador de miles de rostros de niños pintados en trazos azules. Su obra, personalísima, lo tiene como protagonista de la última década en un abanico de soportes que van del mural y la ilustración digital a la pintura y las artes visuales.
Collages, pinturas, bordados, objetos e instalaciones componen su obra. Trabaja con el lenguaje, combina palabras, formas y materiales; utilizando técnicas como el tejido de punto a dos agujas o crochet.
Artista multilenguaje, enfocada en la relación del cuerpo con la escultura, el espacio y los materiales. Bajo la idea de impermanencia, sus obras mutan en cada montaje. En paralelo gestiona la galería Casa Brandon.
Hace poco más de diez años que este proyecto de vida y de arte explota las galerías del mundo con su incorrección pop de grandes proporciones. Barbies, super héroes e íconos religiosos eclosionan en un mashup visual estridente con el ADN surgido en el cómic.
Influenciado por la cerámica y el graffiti durante los noventa, su obra actual representa las contradicciones de las sociedades latinoamericanas y la tensión entre la cultura dominante y las sub-culturas. 
Sus personajes con aires de Botero traen el universo del fútbol amateur y el potrero nacional a las galerías y paredes del mundo. El post partido, las camisetas, el pucho y la birra. Todo el espíritu del conurbano bonaerense sintetizado en sus obras.
Tinta negra, bordados, instalaciones, fotografías, video. Mas allá del soporte que utilice, las obras de Pizani parecieran estar eclipsadas por cierta idea de oscuridad imperante. Algo que se podría denominar como auténtico "dark side art".
Cuerpos entrelazados, figuras fantasmales, criaturas marginales y despreciadas, siempre con la tiza y el lápiz como elemento central, dan forma a un universo visual que salta de los colores plenos al carbón y la línea negra.
¿Arquitectura o arte? Arquitectura y arte. Por ahí pasa el recorrido y obra de Unrrein, que con una gran versatilidad propone instalaciones, esculturas, intervenciones, performances, dibujos y objetos.
Forma parte de una camada de nuevos artistas con una propuesta disruptiva y fresca. Co-dirige la Galería Grasa, uno de los espacios con mayor proyección del circuito artístico under porteño.
Uno de sus monstruos, compuesto de cogollos y flores de marihuana forma parte de la colección Malba desde 2012. Brizuela es el máximo referente del cruce entre artes visuales y cultura cannábica, además de ser el principal responsable detrás de MUNPA (Museo Nacional de Plantas Alucinógenas).
Flores, plantas, frutas y plumas son algunas de las ofrendas que componen el imaginario pictórico de la artista rosarina, que se sumerge en las profundidades del magenta.
Naturalismo, abstracción, minimalismo, luz y color irradian las obras de Blasco, que atraen y absorben al espectador desde la intensidad de una gran pupila.
El grafito sobre el papel da forma a universos de carbonilla poéticos y apocalípticos. Dibujos que parecieran rendir un oscuro tributo a Poe, con niños, casas y pájaros como protagonistas.
Desde el 2000 se mueve entre una diversidad de soportes y formatos que van del dibujo y la pintura al collage o la instalación, siempre con la estridencia como horizonte.
Una gran red de seres vivos, plantas, hongos y minerales habitan los lienzos y dibujos de Alejandro. La naturaleza convive y toma por asalto la humanidad de sus protagonistas.
El cuerpo y sus vísceras, con reminiscencias a jardines exóticos o paraísos de otros mundos. Una obra que remite al erotismo desde sus formas orgánicas que se contorsionan y derraman.
Trazos meticulosos, de vegetación claustrofóbica y paisajes de desolación. Una exploración en la que sus dibujos, por lo general, suelen vestir de blanco y azul intenso, como en la cerámica de Delft.
Forma parte de una nueva camada de artistas visuales de la escena nacional. Directora de la galería Grasa, su obra arremete con imágenes crudas y provocadoras, como al rojo vivo.
Paisajes para contemplar. La delgada línea donde la naturaleza bordea lo abstracto y la tinta sobre el papel se vuelve precisa y despojada a la vez.
Sus obras giran en torno al imaginario de las ferias medievales. El “Neomedievalismo", simboliza una intersección contemporánea entre el pasado y el presente, un espacio para el juego y la imaginación. 
Entre el dibujo y la pintura, la cosmovisión de Juan propone un sistema de vegetaciones fósiles, piedras y maquinarias, escenas míticas o post apocalípticas que alimentan una idea oscura de naturaleza.
Explora distintos formatos, desde la pintura y la escultura, hasta la instalación o la cianotipia. En todos trabaja sobre una arqueología de lo urbano y una cosmovisión arquitectónica como fuente de inspiración.
Una yuxtaposición de formas y colores con un pie en la abstracción, así se presenta Lucas Pertile. Creó Calavera Sur Textiles para comercializar sus diseños y desde 2006 sus pinturas recorren el mundo desde Asia, Europa y Estados Unidos.
Fotógrafa, performer, curadora y crítica de arte. Sus obras están en las colecciones de museos como MALBA, el Moderno y Castagnino (Rosario), entre otras colecciones privadas y públicas.
Ecléctica, la obra de Ezequiel va de dibujos en grafito sobre papel a maquetas con fragmentos de vidrio espejado. Diferentes miradas con una fuerte impronta en la cultura de la psicodelia.
Pablo (aka Gualicho) es un artista que trabaja sobre múltiples soportes. Conocido internacionalmente por sus murales urbanos a gran escala, hace varios años se ha volcado al arte geométrico.
Fotógrafo, performer y gestor cultural. Sus obras tocan temáticas como: la comunicación, el afecto, la sexualidad, la realidad política, los vínculos sociales y humanos, las relaciones de poder, la tecnología y la identidad.
Sus composiciones se materializan en instalaciones lumínicas, esculturas, serigrafías, pintura y arte digital, con una orientación hacia la abstracción y la geometría.
La cosmovisión de colores brillantes y espíritu chamánico de sus obras es expuesta en muestras por todo el mundo. Dicta clases de pintura y dibujo experimental en su Taller La Fuerza.
Interiores lúgubres, metafísica doméstica, velos que se descorren y jardines que aparecen. Su trabajo hace eje en la simbiosis entre el imaginar y el habitar. Seleccionada en Premio Andreani (2020).
Oriundo de Venezuela, se especializa en el arte óptico y cinético en versiones digitales con realidad aumentada. Publicó el libro de animación en tiempo real Pop on Pop.  
Durante quince años ilustró publicaciones científicas de fauna y flora de Argentina. En 2019 obtuvo el segundo premio de pintura en el Salón Nacional. Es miembro de la banda Julio y Agosto.

 

 

 

 

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