Tendencias
Obras, períodos y aspectos disruptivos de artistas contemporáneos de las últimas décadas.
Del registro del amor con su esposa hasta la denuncia por parte de una de sus musas, la obra del fotógrafo japonés condensa poderosos momentos de crudeza y erotismo.
Meditaciones matinales en modo micro-cine continuado, por parte de la gran pintora que en los años 60 formó parte del grupo que revolucionó la percepción artística de la Argentina.
El colectivo danés plantea la idea de una realidad post-apocalíptica después de la humanidad en el mundo. Un giro distópico que imagina la continuidad de todo lo que nos rodea sin nosotros.
Los paisajes impresionistas de sus pinturas ya no representan la idea popular capitalista de robar un banco, sino directamente la fantasía vandálica de quemarlos.
Ausente en las grandes colecciones locales, la obra de la artista radicada en Francia, despierta intriga y fascinación en los márgenes del canon contemporáneo argentino.
Una síntesis de exceso sostiene las figuras de la artista alemana. Como un resquicio por el cual la realidad traficara con la ficción para volverse sobre nuestros miedos y deseos.
Fiel a una relegada tradición de geometría abstracta, la artista árabe instaló la forma definitiva de modernismo saudita en la escena contemporánea.
El fetichismo automotor y feminismo sublimado de sus pinturas trasciende cualquier justificación ideológica para poner de manifiesto el puro goce estético.
En el podio del pop art junto a Warhol y Lichtenstein, su prolífica obra desafió convenciones y exploró con audacia temas como el erotismo, la cultura de masas y la identidad estadounidense.
Pionero conceptual de la crítica institucional, desde hace décadas pone continuamente en crisis las estructuras que sostienen el mundo del arte, para cuestionar el orden económico global.
Una mirada nostálgica y poética sobre uno de los artistas argentinos más destacados del siglo XX. El renacentista entre neones, visionario intergaláctico, cuya voz crispada apuntaba al corazón del cosmos.
Del arte de los medios al fashion fiction, de la vanguardia de NY a las letras para Virus, su obra expansiva lo posiciona como uno de los mayores emergentes conceptuales de su generación.
Su obra adquirió profundidad en la insistencia del trazo, la línea y el color. En la capacidad de redefinir continuamente un proceso analítico donde el acto creativo se volvía un acto de fe.
El último héroe de la pintura clásica que con ejecución y oficio logró superar a las estrellas del arte conceptual y sus producciones a escala corporativa.
Las aproximaciones domésticas del artista paraguayo desafiaron el imperativo kitsch de los 90. Los bordados manuales y las frases triviales se tornan vibrantes y extremos en su obra.
La obra del artista turco se caracteriza por su impronta lúgubre y oscura. Instalaciones audiovisuales con esqueletos monocromáticos que reflexionan sobre la condición humana.
Su obra resume años de investigación en el origen del boxeo como práctica forzada por traficantes de esclavos. Una pinacoteca de ancestros africanos obligados a pelear en el circo moderno de la colonización.
Las intervenciones en señalética pública por parte del graffitero madrileño de culto, incitan a repensar ciertas acciones de las neo vanguardias como antecesores claves del street art.
Sus figuras aniñadas y engañosamente simples, expresan una gama de influencias que van desde el punk rock y los cuentos de hadas, hasta tradiciones de la filosofía oriental.
En su afán por pintar lo imposible, el más conceptual de los pintores argentinos, plasma escenas de dinámica inmovilidad que funcionan como una cartografía de su figura pública.
Las intervenciones del artista israelí entran y salen del ojo público como fantasmas. Entre la metáfora y la denuncia, abordan la encrucijada política más dramática de la coyuntura internacional actual.
De origen ucraniano, sus pinturas parecen astilladas por la partición geopolítica de Europa del Este, en un retorno posmoderno a la figuración.
Sus obras desafían las nociones preconcebidas sobre realidad y percepción, en un espacio donde arte, ciencia y tecnología se entrelazan de manera íntima y filosófica.
Sus instalaciones en base a geometrías con retazos de cubismo y suprematismo, funcionan como un patio de juegos que abre una dimensión queer con perspectivas transfeministas.
La obra del legandario artista ruso se distingue por una figuración que evitó tanto la captación del régimen como la tentación a la ironía, como pasaporte a la vitrina del mundo libre.
El artista de Cisjordania ideó una sandía como símbolo para representar la bandera Palestina. Una naturaleza muerta que se ha vuelto viral en estos tiempos violentos de delirio generalizado.
La artista sudafricana de 88 años es una de los mayores referentes del arte post apartheid. Sus diseños abstractos cargados de color y geometría representan el espíritu de su tribu de origen.
La artista peruana que conquistó España es la representante del país ibérico en Venecia. La colonización, el racismo y la ecología atraviesan su obra en un constante equilibrio entre lo político y lo estético.
De la etapa previa al incendio total de su obra en 1971, sólo sobrevivieron algunas pinturas como la enigmática ‘Odradek’ en el Guggenheim de NY.
Sin marcas de desarraigo ni destino fijo, el rigor internacionalista de su obra y también su vida, lo vuelven hoy el perfecto extranjero en todas partes que celebra la agenda contemporánea.
De los muros de Los Ángeles surge este reconocido artista con poderosos trazos que asemejan alfabetos de oriente. Su estilo inconfundible combina la caligrafía pictórica con el aerosol de las calles.
Pionera en la escena de las artes tecnológicas en la Argentina, su cuerpo de obra incluye instalaciones, net.art, intervenciones en espacios públicos, video esculturas y robótica.
Oriundo de lo profundo de la Amazonía brasileña, sus creaciones cargadas de color, psicodelia y activismo aborigen, alcanzaron grandes museos y galerías en pocos años, hasta su inesperado fallecimiento en 2021.
El neoexpresionista alemán invirtió el punto de vista del espectador para reflejar el contexto de posguerra de su juventud y subvertir la mirada de mediados del siglo XX.
De la noche under de los 80 a la escena contemporánea, su versión lumínica del gran símbolo patrio se volvió un híbrido pop, minimalista y cinético, ineludible en el arte argentino.
Borrando cualquier frontera entre reproducción y original, sus manipulaciones visuales hacen difícil descifrar qué fue primero, si las fuentes o la apropiación.
Con hipnóticas fotografías inspiradas en revistas de moda y su propia herencia cultural, la artista redefine el retrato africano contemporáneo en una nueva visión de la mujer keniana moderna.
La bitácora de una visita a la impactante exposición que el dúo realizó en la galería Barro en 2021, es el disparador para pensar la emoción visceral y despellejada que, a veces, puede producir el arte.
Las instalaciones del artista chileno rescatan las ideas del pensador marxista Antonio Gramsci frente a la hegemonía fascista imperante, ante el riesgo del regreso de totalitarismos enmascarados en fases neoliberales.
La obra de la japonesa es una experiencia onírica que toca fibras emocionales donde el paso del tiempo, la identidad y la ausencia, se traducen en instalaciones con hilos de escala monumental.
La artista suiza pasó de hacer clips para una banda punk, al circuito del videoarte contemporáneo. Años después, una estrella pop de vanguardia como Beyoncé, la citó en un video de Lemonade, su álbum visual.
La reconocida artista argentina da vida a universos miniatura en sus instalaciones conceptuales, con objetos cotidianos que rebosan de sutil ironía.
Conocida por el carácter confesional de su obra, en el video Why I never became a dancer narra en primera persona sus días de desenfreno adolescente en Margate, su ciudad natal en la costa del Reino Unido.
Fue un pionero del arte urbano y la escena neo expresionista de Nueva York, junto a Haring y Basquiat. Uno de sus graffitis fue a parar a la tapa Clics Modernos, uno de los mejores discos del rock argentino.
Es acaso la artista colombiana más relevante en la actualidad. Su obra está marcada por los conflictos históricos de su país, a través de objetos recuperados que transforman el trauma en un duelo individual y colectivo.
Su obra transita entre el siglo XIX y el XXI, y es en imagen todo lo que fue del daguerrotipo a Instagram. Un catálogo publicista arrojado al pozo de la historia de la modernidad.
La retrospectiva del californiano en la colección Pinault de París es el disparador para una reflexión sobre lo contemporáneo y un cruce conceptual con el artista cordobés Pablo Peisino.
No tuvo una identidad fija ni un cuerpo de obra cerrado y homogéneo. Sus pinturas incluían textos a modo de bitácora de vida y su manifiesto Vivo-Dito planteó que "el arte vivo es la aventura de lo real".
Sus obras saquean las ideas del arte europeo y los fetiches del consumo de masas norteamericano, y ponen en cuestión la posesión de las imágenes en la creación de una nueva ritualidad afro.
Su retrospectiva en el Thyssen-Bornemisza, es la primera de un artista vivo en el museo madrileño. Entre el desdén y el humor, cómo fue que la violencia del nuevo expresionismo alemán viró en pop siniestro.
Fiel a sus ideas estéticas, Fernando Botero persistió en su estilo inconfundible, que hoy a su muerte, se vuelve gigantesco. La distorsión de sus cándidos personajes ofrece reflexiones crueles y mordaces.
Sus performances con mujeres al borde de lo pictórico y lo publicitario manifiestan una dialéctica posmoderna que oscila entre Marx y Louis Vuitton. Actualmente filma un proyecto en los estudios Cinecittà financiada por Kanye West.
El artista belga desafía a sus espectadores con experiencias de interacción estética, a través de instalaciones lúdicas, utópicas y vertiginosas.
El artista conceptual turco posiciona una idea de realidad desde los márgenes que colisiona con los símbolos del capitalismo global, en base a títulos que se formulan como elementos claves dentro de sus obras.
Sus propuestas basadas en la disolución de la vida en el arte y la percepción del cuerpo excluido, condensaron una nueva poética tropical en el convulsionado Brasil de fines de los sesenta.
Cirugías plásticas como medio y su propio cuerpo como lienzo, sintetizan parte de la propuesta disruptiva de la artista francesa; como parte de una serie de obras de marcada base feminista.
Sus happenings y obras históricas evidencian su espíritu imbatible y exuberante. Una mega muestra en la Pinacoteca de San Pablo permite ver hoy varias recreaciones de sus hitos más famosos.
Su serie de avatars disuelven la danza en el no cuerpo digital del live motion, mientras transitan por universos cyberfunk de animé, porno, videojuegos y deidades electro-budistas.
La histórica denuncia ambiental de Uriburu es el punto de partida para una exposición con artistas que dan cuenta de la naturaleza como cuerpo vivo, lejos de la domesticación o dominación.
Sus pinturas neorrealistas de cuadros clásicos camuflados dentro de imágenes pop, dispusieron los insumos del capitalismo por sobre las escenas del museo en un evidente gesto neo-dadaísta.
Su obra es una sinfonía repleta de movimientos, la partitura de una mujer brillante que ha inspirado a generaciones de artistas y demostrado el poder del arte como herramienta para la expresión individual y el cambio social.
El artista californiano garantizó su lugar en la historia del arte, a través de una serie de performances extremas a principios de los 70, en las que la idea de automutilación como concepto político fue su eje central.
Pieza fundante del grupo informalista de los 60, sus obras marcaron una ruptura absoluta con el pasado del arte agentino. Qué tiempos aquellos, los del último caballero de la neovanguardia local.
Con influencias que remiten tanto a Warhol como Duchamp, el renombrado artista chino actualmente en exilio, retoma de manera dinámica elementos del pop y el readymade para crear una obra disidente y expresamente política.
El trabajo de la artista norteamericana radicada en París, se inscribe dentro de la órbita del arte textil, aunque en su amplia trayectoria, sus propuestas estéticas y conceptuales van mucho más allá de telares y tapices.
Sus foto-pinturas fantasmales definieron el pop art alemán de la Guerra Fría y dieron lugar al llamado realismo capitalista. Su obra diversa e inextinguible lo posiciona acaso como el último sobreviviente del arte del siglo XX de Occidente.
De la crítica institucional a la institución de la crítica, la trayectoria de la performer estadounidense se ha consolidado con obras potentes y controversiales en una denuncia permanente al mercado del arte.
Inspirada en el cine clásico, su famosa serie “Fotogramas sin título” la muestra encarnando en primera persona arquetipos femeninos de los medios masivos de comunicación que definieron el imaginario cultural de la época.
Dibujante, escenógrafo y realizador audiovisual, en su cortometraje animado La escritura automática, el artista sudafricano se aleja de las temáticas del apartheid y el colonialismo, para indagar en las profundidades de su universo onírico.
Famosa por sus ensamblajes monocromáticos de madera y objetos encontrados, tuvo una retrospectiva homenaje en Venecia 2022. Sus raíces ucranianas resignifican su obra con nuevas lecturas en el contexto geopolítico actual.
El ejercicio del autorretrato es llevado a niveles sin precedentes en la impactante obra de Quinn. Al utilizar de manera visceral su propia corporalidad, el artista logra inmortalizar una versión hiperrealista de su imagen en varios planos y sentidos.
Qué pintar después de que la civilización ha sido arrasada, pareciera ser la pregunta constante del artista alemán. Su fértil producción de universos lúgubres y ucrónicos es un continuo renacer de entre las cenizas de la destrucción.
Figura clave dentro de las vanguardias del Di Tella, forjó además gran parte de la imagen contracultural del rock argentino de fines de los 60, en su menos conocida faceta como fotógrafo del sello RCA.
Sus retratos de una humanidad voluble e imperfecta, con desproporciones que rompen con la armonía, anticiparon discusiones de la época, otorgándoles profunda vigencia hoy en día.
Una de las más lúcidas pintoras figurativas de la segunda mitad del siglo XX, sus series expresionistas abordan realidades sociales y se apropian de temas folclóricos con una cruda mirada combativa y feminista.
Figura clave del conceptualismo latinomaericano, se apropió del máximo símbolo de la sociedad de consumo, pero a diferencia de Warhol, desde una perspectiva periférica y un discurso incendiario.
Es una de las grandes voces del circuito artístico internacional de la actualidad. Sus trabajos parten de reflexiones universales sobre el mundo y la vida cotidiana, para dar forma a imágenes directas, puras y concretas.
Mediante el uso de elementos formales asociados con arte elevado, sus obras desafían la noción clásica de lo icónico. Sus guiños al surrealismo y la fusión de lo bello con lo grotesco, evocan áreas oscuras que desdibujan los límites físicos y mentales.
Las obras del dúo chino están cargadas de matices políticos con fuertes críticas al comunismo oriental. La imagen de Mao aparece de manera recurrente en sus trabajos, a menudo representado de formas provocadoras y grotescas.
Desde sus inicios en la experimentación sonora, Marclay se ha erigido como un artista de inigualable ingenio y versatilidad. The Clock, su obra más ambiciosa, le valió un León de Oro en la Bienal de Venecia de 2011.
La dupla más corrosiva del arte contemporáneo chino refleja en cada una de sus creaciones distópicas, una fatalidad vuelta espectáculo que no se corresponde en absoluto con la lógica moderna del mundo occidental.
En paralelo a sus insuperables video instalaciones, Viola incursionó en el 'art video game' con un juego oscuro y filosófico. El espectador muta a usuario en un recorrido estético-existencial, pionero en su género.
La artista estadounidense, ganadora del León de Oro en la 59° Bienal de Venecia, incita a reflexionar sobre temas como la identidad, la autodeterminación y la herencia cultural.
Considerada una de las obras más icónicas del padre del videoarte, el reflejo catódico de Buda TV supo condensar en una escena zen, el vacío metafísico de la imagen mediática.
XReal Metaverse es un evento de un mes de duración que invita a descubrir obras de arte virtuales geolocalizadas en la Ciudad de Buenos Aires y a la vez, visitar un museo completamente digital dentro de un metaverso.
Radicada en Grecia, la artista argentina articula lo textil y lo territorial, en propuestas cautivantes que formulan denuncias sobre distintos tipos de ecocidios en curso.
Artista, poeta y activista chilena. Sus prácticas de “lo precario” fueron pioneras en temáticas de decolonización y ecofeminismo. Combina lo ritual y lo político en actos transformativos que transitan de lo ancestral a lo avant-garde.
La artista francesa apuesta a trabajar, para sus enormes esculturas e instalaciones, con un material por igual frágil y económico, pero también versátil y reutilizable como pocos.
Una de las figuras más controvertidas de las últimas décadas en el circuito contemporáneo. De cerdos tatuados y máquinas de excrementos, a neumáticos art déco y Maseratis islámicos, su provocadora obra no escapa a ser deglutida por el mercado del arte.
La obra de la rosarina, impregnada de un fuerte compromiso social, aborda temáticas como fronteras, migraciones y exilios. Buscaba interpelar al ciudadano de a pie para generar una perturbación que rompiera la continuidad de lo esperable.
La artista portuguesa deslumbra con sus monumentales esculturas e instalaciones llenas de color y textura, cargadas de simbolismos que incitan a la reflexión.
Las prácticas transdisciplinarias del artista coreano integran ciencia y tecnología en instalaciones que desentrañan universos mecánicos con esculturas que van de lo poético a lo pesadillesco.
Sus impactantes obras logran desmaterializar y subvertir el lenguaje arquitectónico clásico, a partir de los elementos de alta carga metafórica y expresiva con los que realiza su práctica escultórica.
Referente absoluto del bioarte, sus proyectos impulsan a reflexionar acerca de cómo los nuevos avances en ciencia y tecnología modifican nuestra forma de vida y empujan permanentemente los límites de lo que consideramos arte.
El exitoso dúo de artistas conceptuales pone en evidencia la absurda circulación del consumo contemporáneo en sus desconcertantes instalaciones.
El artista japonés hace especial foco en las superficies y materialidades de sus increíbles esculturas con el fin de generar percepciones sensoriales que desafíen las barreras entre lo físico y lo virtual.
La obra del artista visual, músico y compositor alemán se despliega en el amplio y fructífero cruce entre arte, ciencia y tecnología. Sus innovadoras propuestas reflexionan en torno a los fenómenos perceptivos tanto visuales como sonoros.
El emblemático artista británico de origen indio, caracterizado por sus novedosos procedimientos, técnicas y medios, incorporó en sus últimas obras lo que se considera una de las materias “más oscuras” del mundo.
Sus paisajes digitales y pesadillas sci-fi, concebidos como una corrosiva denuncia pop, cotizan millones en el mercado del arte y son codiciados por la industria del entretenimiento y las marcas corporativas.
Es una de las últimas revelaciones del creciente mundo del arte urbano. Su propuesta geométrica desafía el punto de vista del espectador y juega con nociones de tridimensionalidad en ilusiones ópticas incomprensibles.
Sus intervenciones urbanas han invadido las capitales del mundo y los muros de las redes sociales. Oriundo de Holanda, el espíritu lúdico de sus obras de gran formato logran cautivar audiencias a nivel internacional.
Sus grafismos exploran los límites de la comunicación, el dibujo y la escritura. El lenguaje abstracto de sus cuadernos se erigió como un gesto único de vanguardia conceptual tanto en el ámbito lingüistico como en tiempos de censura.
Fundador del grupo Xiamen Dada y más conocido por sus impactantes trabajos monumentales, una de sus obras de pequeño formato concentra la potencia conceptual de las primeras vanguardias.
Desde Matisse hasta expresiones más contemporáneas, la pileta es una figura que ha inspirado a diferentes tipos de artistas. Estos antecedentes se reflejan en una de las piezas más emblemáticas del distinguido artista argentino.
Un recorrido por la obra de la reconocida artista conceptual, curadora por estos días de una gran exhibición de Louise Bourgeois en el Kunstmuseum de Basilea.
El artista argentino subvierte con aguda imaginación el paisaje cotidiano. Su procedimiento consiste en transformar la imagen mental en imagen visible para poner en crisis el significado anterior.
Las explosivas intervenciones de color con spray industrial a gran escala y en sitios específicos a cargo de la artista alemana, ponen en juego las nociones contemporáneas de instalación inmersiva, muralismo y street art.
Leyenda de culto que marcó la estética visual de los años ochenta, el artista japonés ha desarrollado un imaginario hiperrealista de sensualidad robótica sin precedentes.
Su estilo inconfundible con raíces en el street art, es una incursión profunda en el misticismo brasilero, plagada de sincretismos. Su trabajo abarca desde tapas de discos y ediciones de libros, hasta a la intervención completa de un pueblo rural.
La obra del artista argentino, con residencia en Berlín, busca idear un imaginario común hacia una concientización ética con el medio ambiente. Aerocene Pacha es su último proyecto en esta línea de activismo sustentable dentro del universo del arte.
Es el último Young British Artist que mantiene un espíritu punk dentro del mundo del arte. Con la ironía feroz que lo caracteriza, acaba de presentar Piscio d’Artista, latas seriadas y firmadas con su propia orina, en una clara cita a Piero Manzoni.
Conocido por sus increíbles instalaciones con luz, aire, agua, hielo, vapor, prismas y espejos; el artista danés lleva con Life las reflexiones sobre arte y medio ambiente a terrenos conceptuales sin precedentes.
Entre el diseño de moda, la investigación científica, la experimentación tecnológica y la creación artística, su trabajo es una combinación exquisita de innovación y oficio.
Conocidos como la pareja de artistas ‘envolvedores’, sus obras ligadas al land art y el arte conceptual consistían en la abstracción generada por figuras voluminosas ocultas bajo telas, que alteraban totalmente el espacio circundante.
El provocador artista inglés, referente disruptivo de la década del noventa, sumerge los conceptos de verdad-ficción en una propuesta espectacular que pone en jaque la mente del espectador.
Surgido de la escena electrónica de su Japón natal, alcanzó el estatus de referente internacional en base a instalaciones que llevan al límite la experimentación con visuales minimalistas y arte sonoro.
Forma parte de una escuela de artistas que ponen permanentemente en juego al mercado del arte. Ya sea una banana pegada con cinta, un inodoro de oro o un caballo embalsamado, sus obras impactan con humor negro y provocación.
Referente de la performance en los últimos cincuenta años, sus acciones alcanzan momentos que van de la incomodidad a la provocación. La reposición de una de sus obras se volvió un acontecimiento viral sin precedentes.
En 2015 inauguró una instalación que parodiaba el universo de los parques temáticos estilo Disney. La propuesta reunió una decena de artistas contemporáneos en un festival con aires anarquistas.
Es actualmente una de las figuras más reconocidas del street art contemporáneo. Interviene distintos paisajes del mundo con collages fotográficos a gran escala, para resignificarlos con fuertes mensajes políticos y poéticos.
Entre el mundo del diseño y el mercado del arte, sus obras cromáticas ya son una marca registrada que lo posicionan como uno de los artistas argentinos mas comercialmente exitosos en el exterior.
Referente máximo del kitsch, sus esculturas apelan a la reapropiación de lo conocido a través de la resignificación conceptual de imágenes y objetos que circulan el inconsciente colectivo del espectador.
De formación autodidacta, sus increíbles instalaciones sonoras han ganado gran reconocimiento en los últimos años. En formato site-specific, se las puede explorar activamente en experiencias profundamente inmersivas.
El ingeniero, escultor y visionario holandés, alcanzó reconocimiento internacional en los últimos treinta años. Con un pasado como estudiante de física, su carrera artística despegó con la creación de las famosas Strandbeest o bestias de la playa.
Uno de los exponentes del arte urbano más reconocidos del nuevo milenio. Sus murales transmiten universos visuales en los que conviven ironía y problemáticas sociales, cruzadas por una estética psicodélica y pesadillesca.
Ícono viviente del arte japonés, es mundialmente conocida por sus instalaciones pop con patrones a lunares y tonos estridentes. Su mayor obsesión: las calabazas en todas sus formas, tamaños y colores.
Su obra explora el universo de las publicidades, el cine y la televisión. Desde fines de los setenta comienza una militancia feminista con consignas de contenido político en museos, galerías y el espacio público de todo el mundo.
Participó de la vanguardia cinematográfica de la London Film-makers' Co-op en los setentas. El cruce de múltiples disciplinas lo han llevado a explorar la naturaleza de la luz y las propiedades del cine a lo largo de cinco décadas.
Nacido en Estambul y radicado en Los Ángeles, es uno de los exopnentes actuales en la escena del arte digital. Sus propuestas son un cruce entre arte, ciencia y tecnología.
elojodelarte.com ® Una plataforma de LittleBull Prod. © 2025 Todos los derechos reservados.
Este sitio cuenta con el auspicio de 
Este sitio fue declarado de interés cultural por la Honorable Cámara de Diputados de la Nación y la Legislatura Porteña
