A finales de los años setenta, Jenny Holzer (Gallipolis, Ohio, 1950), una de las más importantes artistas conceptuales de la década siguiente, pegó en las calles de Manhattan carteles con frases que denunciaban diferentes formas de injusticia. Luego, grabó mensajes en placas de aluminio y bronce, como las que se utilizan en hospitales o edificios gubernamentales, y hasta llegó a contratar una placa publicitaria luminosa en Times Square.
Holzer es conocida por explorar y subvertir el lenguaje público mediante el uso de formas no tradicionales: desde carteles callejeros y camisetas hasta proyecciones y leds. Fue la primera artista mujer que representó a EE.UU. en la Bienal de Venecia. Su instalación fue ganadora del León de Oro al mejor pabellón de la muestra, en 1990. Sus obras integran las colecciones del MoMA, el Guggenheim, de la Tate y del MACBA. Además, sus proyecciones de luz se vieron en espacios públicos emblemáticos como el World Trade Center de Nueva York, el Reichstag de Berlín, y en Boston, Praga, Viena, Singapur, Nueva York, Dublín, Londres, París y Buenos Aires (con una muestra en Proa en el 2000, y luego cuando se incluyó una obra de la artista con eje en la discriminación de la mujer y la lucha por lograr un espacio de igualdad en la muestra Crear Mundos, también en Proa, en 2020).
Inflammatory Essays (Ensayos incendiarios) son una serie de textos –de cien palabras cada uno– sobre la intolerancia, la violencia, el consumismo y las relaciones entre hombres y mujeres. La obra está compuesta por material de autores del pensamiento político de la tradición comunista y anarquista (Lenin, León Trotski, Rosa Luxemburgo, Mao Tse-tung, Karl Marx, Friedrich Engels y Emma Goldman) y también con textos religiosos (de pensadores liberales y de literatura popular).
Como si fuera un empapelado, con estos textos impresos y firmados, cubrió las paredes denunciando diferentes aspectos del entramado social y político. “El placer más exquisito es la dominación. Nada puede compararse con lo que hace sentir”, estampó en uno. “La gente debe pagar por lo que tiene, por lo que roba. Viviste en la opulencia y ahora sos el cerdo que acabará en el matadero” y “El miedo es el arma más elegante. Tus manos nunca se ensucian”, transcribió en otros.
En su rol de curadora, Holzer, presentó recientemente en el Kunstmuseum de Basilea Louise Bourgeois x Jenny Holzer: la violencia de la escritura a través de una página. La muestra reúne trabajos de la reconocida artista francesa, famosa por sus imponentes esculturas arácnidas llamadas Maman.
Holzer puso el foco en el archivo de Bourgeois, que incluye diarios, cartas y hasta varios centenares de escritos psicoanalíticos. Se incluyen además esculturas, instalaciones, pinturas, dibujos, grabados y otros textos. Bourgeois llegó a narrar la pérdida con una serie de tejidos y prendas de vestir. En su exposición She Lost It, un par de calzoncillos llevaba bordada la frase: “El día en que el pájaro se sintió atraído ensució el nido”. Y una pancarta de cincuenta y cuatro metros consignaba: “Un hombre y una mujer vivían juntos. Una noche, él no volvió del trabajo y ella lo esperó. Ella siguió esperando y se fue haciendo más y más pequeña. Más tarde, un vecino pasó por allí por amistad y allí la encontró, en el sillón, del tamaño de un guisante”.
A ambas artistas las une el uso de la palabra como arma estética y política. Con palabras poderosas, cuestionan la realidad. Y en el caso de Bourgeois también la propia biografía. La artista francesa creó obras con sus traumas. No escatimó en palabras respecto a su propia historia de vida: la muerte de su madre cuando ella tenía 22 años y la infidelidad de su padre provocaron el miedo al abandono, un tema clave en su obra. Para simbolizar la figura materna, Bourgeois hizo su espeluznante araña: al mismo tiempo amenazante y tejedora protectora.
