Max Gómez Canle es un artista nacido en 1972, que se interesa en la historia del arte, especialmente en la pintura. Viaja en el tiempo e imagina posibles combinaciones de técnicas, movimientos, materialidades y oficios. Desde allí crea una iconografía propia. Una estrategia conceptual que consiste en ir hacia atrás en el tiempo para salir proyectado hacia adelante por una especie de catapulta. Esto le permite desarrollar el cuerpo de su obra sin partir de la idea de originalidad.
En Fuera de Lugar, su reciente exposición en la galería paulista Casa Triângulo, presenta tres series de pinturas en pequeño y gran formato. En la primera, Ladrillo Invención, toma como referencia los paisajes del pintor barroco Frans Post, un artista holandés que realizó las primeras representaciones del paisaje americano, específicamente de Brasil. Gómez Canle copia, pinta, lija y repinta estas imágenes para dar el efecto del paso del tiempo. Luego le colocó encima figuras geométricas de color ladrillo, como si fueran protociudades, preguntandosé cómo sería habitar estos espacios.
En la segunda serie, Renacimiento Espectro, parte nuevamente de los paisajes de Frans Post y un efecto de envejecimiento para anexarle elementos fantasmales imaginados por él. El tercer conjunto de pinturas, Frontera múltiple, conforma un gran mural integrado por catorce módulos de gran formato que simula una valla. Remite a una frontera en la que se cuelan fragmentos del paisaje y aparecen también elementos de su iconografía como los píxeles y la Chacana, una cruz milenaria que se encontraba en las culturas preincaicas.
-¿Cómo fue el proceso para realizar este trabajo?
-Decidí viajar de Buenos Aires a Sao Paulo en mi propio auto porque quería entender cómo el paisaje iba cambiando. Tomé las obras que ya había comenzado en mi taller, las hice un bollo y salí manejando. Durante el recorrido que me llevó cuatro días hice anotaciones en una libreta sobre tonos y otras observaciones del entorno. Cuando me instalé en Brasil unos días antes de la exposición, retomé los trabajos: pintaba y lijaba tantas veces hasta conseguir el efecto buscado. Quería lograr en las pinturas el efecto de la fuerza de depósito y erosión y de esta manera creé una ficción del tiempo en la manera de pintar.
-¿Por qué te llamó la atención Franz Post?
-Lo que hago es investigar la historia del arte como si fuera el acervo de la historia de la mirada de la humanidad. Post es un artista que despertó mi interés desde hace varios años, fue el primer europeo en retratar Sudamérica en 1600, pero también Brasil, por eso me pareció perfecto para esta muestra en Sao Paulo. Él se encontró con un territorio que le imprimió su manera de pintar europea, inventó un territorio pictóricamente. Retrató la zona de Pernambuco y el delta del río São Francisco, ya que esta región fue tomada como colonia holandesa y Post había viajado como parte de la comitiva que se encargó de recabar y documentar información sobre la geografía y sus recursos naturales. Cuando volvió a Holanda y sus trabajos tuvieron gran repercusión en el público y en base a esa estructura compositiva, Post siguió pintando paisajes el resto de su vida.
-¿Utilizaste algún óleo o pintura particular en esta producción? En el caso de los módulos de gran tamaño parece pintura al temple.
-El muro lo hice con pintura que fabriqué con polvo de ladrillo, otros pigmentos molidos y un ligante mínimo. El cielo está preparado con pigmentos italianos azul y amarillo. Aquí en el barrio de Vila Mariana, Sao Paulo me sorprendió un grupo de artistas que fabrican óleos a partir de pigmentos naturales y ya me puse en contacto con ellos para futuras oportunidades.
-En la pintura de gran formato que protagoniza la exposición, ¿cómo utilizaste los diferentes lenguajes expresivos?
-En este trabajo convive la geometría de la tradición de los movimientos de la vanguardia de los años 50 con otra expresión mucho más popular y cotidiana, la de los videojuegos. También puse en primer plano el ingrediente de lo textil de la cultura precolombina.
-¿Cómo fue tratar con las curadoras nóveles Natalia Malamute y Violeta Mollo?
Me gustó trabajar con ellas, estuvimos todo el año reuniéndonos y charlando sobre la muestra. Además, escribieron dos interesantes textos. Tengo la costumbre de curar mis exposiciones y en este caso trabajar con ellas me dio tranquilidad para avanzar en otros aspectos.
-Y recordando tus inicios, ¿te costó instalarte en el mundo del arte?
-Hoy vivo de mi obra y expongo con frecuencia en Buenos Aires y Sao Paulo, entre otras ciudades, pero cuando terminé la Escuela Nacional de Bellas Artes Priridiano Pueyredón trabajé como carpintero, escenógrafo, artesano, cocinero, colaboré con un restaurador y hasta fui letrista de carteles.
-Contame sobre tu método de trabajo.
-No tengo un método, más bien lo pienso como sistema o como si fuera un motor de búsqueda, algo que tiene que ver con haber abandonado en algún momento la idea de originalidad. En lugar de partir desde cero, pienso desde la suma. Junto los temas que a mí me apasionan desde siempre que tiene que ver con la pintura y su historia; entonces lo que hace este motor es buscar y recombinar todas aquellas fuentes que a mí me hacen pensar o viajar y que tiene que ver con la capacidad de la imaginación para pensar mundos nuevos.
¿Qué es para vos la historia de la pintura?
-Una especie de río continuo, una pileta enciclopédica, un planeta sin clasificación. La historia de la imagen que fuimos generando como humanidad para que nos vaya acompañando.
-Y por último, ¿cuál crees que es tu búsqueda como artista?, ¿qué es lo que te interesa comunicar?
-En esta especie de acervo de la historia al que voy, busco, y traigo imágenes, técnicas, oficios y movimientos para luego recombinarnos, entiendo al arte como un pensamiento conjunto, abierto y puesto en diálogo con los demás que nos permite conocer más sobre nuestro mundo e imaginar futuros posibles.
